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Cosy Names acrylic on canvas
(35x100 cm) - 2008 on sale
Ejektion
acrylic on canvas (35x100 cm) - 2008
private collection
Die
sprichwörtliche Energie der wohltemperierten Poetik Hugos erreicht in diesem
jüngsten Werk neue Ufer von unerwarteter Kühnheit. Während es bislang
schien, als wollte der Künstler an seiner charakteristischen Ausfüllung der
Fläche (oder auch des gesamten Bildes) sättigen, mit Farben, die aus dem
Innersten vor ursprünglicher Wärme strahlen, so reicht ihm dies nun nicht
mehr aus, um seinen Durst nach glühend-triebhafter Expressivität zu stillen.
Es ist kein Zufall, dass sich über die gewohnte Osmose aus Rot und Gelb (die
an die wehmütige Leidenschaft von “The fall of the Roman Empire” erinnern)
nun bewegte, undurchdringliche Präsenzen von Blau legen, einem Blau, das
fern vom Grund ist – als befände es sich auf einer anderen Ebene der
Wahrnehmung –, und doch ein Blau, das die gesamte Fläche mit seiner Schwere
bedingt. Und bewegt! Wildgewordene Elektronen, von weit her geschleudert,
eine geheimnisvolle Explosion, in denr noch der Urknall bewahrt wird. Doch,
um es recht zu betrachten, um sich in die Innenwelt versetzen zu lassen,
welche die Vision dieses Werkes evoziert: Es handelt sich eher um eine
Implosion. Ein Vorantreiben lebendiger Energie, verstreut im Innersten des
Bewusstseins, welches die gelb-rote Fläche symbolisiert. Eine Sublimation
starken Ehrgeizes, von Siegen, von Erfolgen, die sich, in Erwartung einer
Bestätigung in der konkreten Welt, in einer momentartigen Existenz in einem
Limbus des Bewusstseins befinden, von dem sie ihre treibende Kraft sich
nähren lassen, den sinnlichen Austausch mit dem Außen, die
physiologisch-chlorophyllische Synthese von Wirklichkeit und Willen. Und es
sind eben diese Elektronen, die sich ihren Weg ins Bewusstsein bahnen und
ihm neue Formen eröffnen. Die Dynamik des Blau führt die Ausbreitung von
Gelb unf Rot an, welche, wie eine Galaxie in ständiger Ausdehnung begriffen
scheinen, einem natürlichen Antrieb folgend, ungeschieden vom Erbe des
ursprünglichen Big Bang. Hugo hört also nicht auf zu überraschen zu
verwirren, auch jene, die, wie der Verfasser selbst, glaubten die Fundamente
seiner Poetik bereits begriffen und assimiliert zu haben. In Ejektion zeigt
er uns eine natürliche und unmittelbare Verbindung mit den Gesetzen und den
noch geheimnisvollen Konsequenzen der Bewegungen des Universums und der
Kosmogonie, die, dank der Einfühlung des Künstlers in höhere Wesen,
Erkenntnisse der Wissenschaft und der Quantenphysik vorwegnehmen.
Dr. Ariberto Scolli, Roma, Mai 2008
Dr. Ariberto Scolli, Roma, Maggio 2008
La
proverbiale energia della poetica timbrica di Hugo approda in questa recente
opera a lidi di inusitata audacia. Se finora sembrava che l’Artista volesse
saziarsi del suo peculiare riempimento del piano (ossia del tutto), con
tinte intimamente accese di un primordiale calore, ora ciò non gli è più
sufficiente per sedare la sua sete di magmatica propulsività.
Non è un caso che alla consueta osmosi del rosso e del giallo (che ricorda
la nostalgica passione di “The fall of the Roman Empire”) si sovrappongano
adesso quelle mobili, imprendibili presenze di blu, un blu estraneo al
fondo, – quasi fosse su un diverso livello percettivo – eppure un blu che
condiziona pesantemente l’intero piano. E lo muove! Elettroni impazziti,
espulsi da una lontana, misteriosa esplosione di cui ancora serbano la
primordiale spinta.
Ma, a ben vedere, a lasciarsi trasportare nel mondo interiore che la visione
dell’opera evoca, si tratta piuttosto di un’implosione. Un propellere di
vitale energia profusa nell’intimo della coscienza, simboleggiata dal piano
giallo-rosso. Una sublimazione di forti ambizioni, di vittorie, di successi,
che, nell’attesa di una consacrazione nel mondo concreto, trovano una
momentanea esistenza nel limbo della coscienza, di cui alimentano l’aspetto
propulsivo, l’intersensorialità con l’esterno, la fisiologica sintesi
clorofilliana della realtà con la volontà.
E sono proprio questi elettroni che si fanno largo nella coscienza, e la
aprono a nuove forme. È la dinamica del blu che guida l’espansione del
giallo sul rosso, che, come una galassia, sembra costantemente ampliare il
fondo, seguendo un naturale moto, non avulso dall’ancestrale retaggio del
Big Bang.
Hugo non smette, dunque, di sorprendere e di spiazzare anche chi, come lo
scrivente, credeva di aver ormai compreso e metabolizzato le ragioni della
sua poetica. In
Ejektion egli
lascia percepire un naturale e non mediato legame con le leggi e le
conseguenze ancora misteriose dei movimenti dell’universo e della cosmogonia
che, grazie all’intuito dell’Artista in quanto voce di Entità superiori,
anticipano le conquiste degli studi della scienza e della fisica
quantistica.
The 2 Thieves acrylic on canvas (40x40
cm) - 2007
private
collection
In pochi
segni, segni di grande efficacia e sintesi espressiva, Joseph Hugo riesce in
quest’opera a rendere appieno le molteplici sfaccettature della sua poetica:
una poetica che è quasi una tesi filosofica, basata sul dualismo. Non a caso
il titolo comprende il numero 2 (in cifra, non in lettere). L’integrato
coesistere del bene e del male, dell’orizzontale e del verticale, del
movimento di ascesi e dello sprofondamento, del punto e della linea (dove, si
noti bene, il punto tende alla linearità, e la linea alla “puntualità”), è
immerso in un contesto al contempo naturale e molto ben meditato, in cui la
complessità non esclude la sintesi massima degli elementi, ma, anzi, da questa
viene esaltata nella sua efficacia comunicativa. Prof. Herbert Baumann,
Coblenza, Settembre 2007
Tsunami 2006 acrylic on canvas (40x40
cm) - 2007 on sale
Dott. Ulrich
Winkler, Monaco di Baviera, Febbraio 2007
Dr. Ulrich
Winkler, München,
Februar 2007
Hommage to Fiasko acrylic on canvas (40x40
cm) - 2007 on sale
Digital Art
(300 dpi) - 2007 candidate for
the UAMO Kunstfestival Munich
2007
In
wenigen Zeichen, Zeichen von großem Effekt und großer expressiven Synthese,
gelingt es Hugo in diesem Werk die vielfachen Facetten seiner Poetik voll dar
zu stellen: einer Poetik, die gleichsam eine philosophische These ist,
beruhend auf dem Dualismus. Nich zufällig enthält der Titel die Zahl 2 (als
Ziffer, nicht in Buchstaben). Die gemeinsame Koexistenz von Gutem und Bösem,
der Horizontalen und der Vertikalen, der Bewegung des Aufstiegs und des
Absinkens, des Punktes und der Linie (wo, wie man weiß, der Punkt zur Linie
tendiert und die Linie zur “Punktualität”), ist ein einen zugleich natürlichen
und sehr gut überlegten Kontext gestellt, in dem Komplexität nicht die höchste
Synthese der Elemente ausschließt, sondern vielmehr daraus seine kommunikative
Wirkmacht entspringen lässt.
Zwei Diebe, vielleicht zwei Komplizen-Rivalen, sind in dem zwei-eindeutigen
Zusammenspiel der Linien verkörpert: Jeder nimmt an der anderen Teil, wobei
jede im vertikalen Schwung zur Höhe begriffen ist, zu einem möglichen
Aufstieg, der auch für den kaltblütigsten Kriminellen (der gleichzeitig die
Niedrigkeit seiner eigenen Taten nicht ignorieren kann) das Ziel darstellt,
etwa in einer fatalistischen (aber unregelmäßigen) Horizontale an Zeit und
Raum entlang (oder ihnen davon) zu laufen, auf einer Reise, von Farbpunkten
bestirnt, die wie tausende von Steinen den palindromischen Verlauf der
Verflechtung bedeuten. Zwei Linien, zwei Farben: das Gelb und das Rot, die in
anderem Zusammenspiel, aber stets voneinander durchdrungen, in vielen anderen
Werken Hugos auftreten, wie “The Fall of the Roman Empire”, “Red on Sahara”,
“Bouquet”. Aber während Hugo in diesen Bildern den gesamten Grund mit dem
Dualismus Gelb-Rot füllt, zwei Farben, die zur Charakterisierung der
Erscheinung des Werkes ausreichen, (nicht den Grund selbst, der schicksalhaft
grau bleibt), beide einander treffend, die vertikalen wie die horizontalen
Striche, und auf eine Dynamik anspielend, die Zeichen einer herben Unruhe
trägt, sogar von Desillusion, gemischt mit bedauernswerter Ambition – wie
bedauernswert und bar jeder Illusion sind die vier vertikalen gelben Linien,
die gleich Stalagmiten, die im Wind vergehen, sich in ihrer aufsteigenden
Bewegung verflüchtigen, ohne die beabsichtigte Senkrechte des Bildes vollenden
zu können.
Und stets charakterisiert die Farbe – auch nur das Gelb – vier Punkte am
unteren Rand des Bildes, die als tragendes Fundament des plastischen Aufbaus
identifiziert werden können, ohne die Tendenz zur fliehenden Bewegung, mit der
die (roten) Punkte im oberen Teil des Bildes belebt sind. Die Vielflächigkeit
der Wahrnehmung, die seit je Hugos Kunst prägt, wird hier auf eine höhere
Ebene gebracht. Die vielfachen semantischen Schichten dieses Werkes sind
weitaus komplexer und doppeldeutiger, als es auf den ersten Blick erscheinen
kann, und die Grenzen meiner Feder erlauben mir allenfalls darauf hinzuweisen,
leider nur auf den kleinsten Teil. Doch bevor ich mich verabschiede, kann ich
nicht umhin, zumindest die Musikalität dieses Werkes zu unterstreichen. Wie
soll man nicht an Kandinsky denken, an sein "Punkt, Linie, Fläche", im
Auskosten der zerbrochenen Cantabilität, wie nicht an das "tropfende
Schmelzen" des besseren Dalì, wie nicht im abstrakten graphischen Ergebnis des
Bildes ein melancholisches Pentagramm mit traurig aufgereihten Viertelnoten
erkennen?
Hier liegt vielleicht die wahre Größe Hugos: im Einverleiben (in ganz
natürlichem und physiologischem Sinne) des großen Erbes aus Idealismus,
abendländischem Humanismus und vielen anderen Elementen von verschiedenster
Herkunft in eine ästhetische Synthese mit unnachahmlich poetischen Resultaten.
Prof. Herbert Baumann, Koblenz, September 2007
Due ladri, forse due complici-rivali, sono impersonati dalla biunivoca
interazione delle linee: ciascuna partecipe dell’altra, ciascuna immersa sia
nello slancio verticale verso l’alto, verso una possibile ascesi che è meta
anche del più incallito criminale (e che al contempo non può non ignorare la
bassezza delle proprie azioni), sia nell’orizzontale fatalistico (ma non
regolare) (s)correre del tempo e dello spazio, in un itinerario costellato da
punti di colore, che come pietre miliari segnano il palindromico percorso
dell’intreccio. Due linee, due colori: il giallo e il rosso, che compaiono, in
una differente interazione, ma pur sempre reciprocamente compenetrati, in
molte altre opere di Hugo, come “The fall of the Roman Empire”, “Red on
Sahara”, “Bouquet”. Ma se in quei quadri Hugo riempie tutto lo sfondo con il
dualismo giallo-rosso, qui i due colori si limitano a caratterizzare la
morfologia del quadro (non lo sfondo, che rimane fatalmente grigio), entrambi
investendo sia i tratti verticali che quelli orizzontali, e alludendo ad una
dinamicità che tocca significati di aspra inquietudine, perfino di
disillusione mista a flebili ambizioni – come flebili e disilluse sono le
quattro linee gialle verticali che, quasi stalagmiti che si sciolgono al
vento, si affievoliscono nel loro moto ascensionale, non riuscendo a
completare il tracciato verticale del piano.
E sempre il colore – ancora solo il giallo – caratterizza i quattro punti alla
base del disegno, identificabili come le fondamenta portanti dell’impianto
plastico, e scevri dalla tendenza allo sfuggente movimento che invece anima i
punti (rossi, questi) nella parte superiore del piano.
La poliedricita percettiva che da sempre informa l’arte di Hugo è qui portata
ad un livello superiore. I molteplici strati semantici della presente opera
sono, infatti, ben più complessi e ambigui di quanto non possa apparire ad un
primo sguardo, e i limiti della mia penna non mi consentono che di alludervi,
purtroppo, solo in minima parte. Ma, prima di congedarmi, non posso esimermi
dal citare, almeno, la musicalità di quest’opera. Come non pensare a
Kandinsky, al suo “Punto, linea, superficie”, nell’assaporare la cantabilità
spezzata, come rotta da singhiozzi di sofferenze, delle linee spezzate, come
non pensare agli “scioglimenti sgocciolanti” del miglior Dalì, come non
scorgere nell’esito astrattamente grafico del disegno un malinconico
pentagramma con semiminime tristissime e sospese?
E qui risiede, forse, la vera grandezza di Hugo: nell’inglobare, in modo del
tutto naturale e fisiologico, il grande patrimonio dell’idealismo e
dell’umanesimo occidentale e di molti altri elementi dalle più disparate
origini, in una sintesi estetica di inimitabili esiti poetici.
Il
bianco è il colore funebre in Oriente. E una campitura bianca si offre
all’onda montante dello Tsunami 2006 di Joseph Hugo. Il ricordo dello
spettatore volge istintivamente alle terribili immagini della catastrofe
asiatica trasmesse in mondovisione nel Dicembre 2005. Una gigantesca onda si
erge sulla terra assolata per portare ovunque distruzione e sterminio. Il blu
del cielo si fonde con il colore dell’onda, che novella cavaliere
dell’apocalisse si appresta ad infierire sui peccati dell’uomo moderno, uso a
trattare la natura come mero elemento fruibile secondo il proprio desiderio.
L’immagine del quadro di Hugo è terribile, la fissità della composizione
sottolinea la motilità del fenomeno marino, l’impatto gigantesco dell’onda
abnorme è di là da venire, eppure già la muraglia d’acqua infieriesce sulla
misera terra. Lo spettatore, edotto dai fatti dalla globalizzazione mediatica,
ripercorre con brivido il momento della catastrofe. Curva e piegata come una
vecchia strega la sollevazione acquatica promette sfacelo in terra.
È forse questo lo Tsunami del titolo? Certamente, ma non solo. Perché il vero
terremoto non è solamente la violenza marina di un fenomeno naturale che ha
oltrepassato i propri confini. La vera sollevazione provata e temuta dallo
spettatore è di ben altra natura: concettuale, anziché fenomenica. Il vero
terremoto acquatico che si prospetta all’occhio dello spettatore sensibile,
ben più che il ricordo di una sciagura lontana nel tempo e nello spazio, è lo
sconvolgimento dei canoni espressivi di cui quest’opera è indiscusso latore.
Forma, colore, composizione. Tutto è qui sovvertito, tutto è messo in
discussione. Da Joseph Hugo giunge niente meno che una catastrofe formale, e
la prima vittima è lo spettatore del quadro. Via le antiche certezze, via le
nuove convinzioni. La pittura di Hugo spazza ogni qualsivoglia sicurezza
estetica, per instillare nello spettatore un costante senso di inquietudine,
pari solamente a quanto il testimone stesso della catastrofe marina può aver
percepito all’appropinquarsi del cozzo dell’onda con il suolo abitato.
Lungi dal portare certezze, la pittura di Hugo scuote ogni spettatore nel suo
intimo come un terremoto marino il cui epicentro è posto nel cuore di Hugo.
L’angoscia trasmessa dalla composizione pittorica può solo in minima parte
venire compiutamente espressa a livello oggettivo. Il blu di Hugo non è più
quel “blu dipinto di blu” che un tempo allietava le estati dei vacanzieri. Il
blu di Hugo è latore di morte, distruzione, sterminio. Non blu speranza, ma
blu angoscia. Questa la vibrante esposizione pittorica dell’artista, semplice
ed essenziale come solo ogni grande arte è in grado di concepirsi. Un arancio
opaco cerca invano di contrastare il blu montante, eretto a protagonista del
quadro contro le inutili pretese di una campitura anodina.
Come la sua pittura, Hugo non porta sollievo. Lontano da qualsivoglia pretesa
mimetica e dentro la realtà. Così vuole essere Hugo. Così lo avverte lo
spettatore. Per apprezzare l’arte di Hugo occorrono nervi saldi e una solida
consapevolezza della miseria terrestre. Solo attraverso l’esperienza della
catastrofe Hugo può svelarsi all’osservatore e, come un’onda travolgente,
immergerlo nella sua arte tanto sublime quanto terribile. Weiß
ist im Orient die Farbe der Trauer. Und ein weißer Grund zeigt sich gegenüber
der steigenden Welle von Joseph Hugos
Tsunami 2006.
Die Erinnerung des Betrachters kehrt instinktiv zu den grauenvollen Bildern
der Katastrophe in Asien zurück, wie sie im Dezember 2005 in alle Welt
übertragen wurden. Eine riesenhafte Welle erhebt sich über das
sonnenbeschienene Land, um überall Verderben und Zerstörung zu bringen. Das
Blau des Himmels mischt sich mit der Farbe der Welle, die sich als neuer
apokalyptischer Reiter anschickt, gegen die Sünden jenes modernen Menschen zu
wüten, der sich daran gewöhnt hat, die Natur lediglich als ein nutzbringendes
Element gemäß seinen Bedürfnissen anzusehen. Das Sujet von Joseph Hugos
Gemälde ist schrecklich, die Unbeweglichkeit der Komposition unterstreicht die
Beweglichkeit der Meereserscheinung, der ungeheure Einschlag der
überdimensionalen Welle steht noch bevor, und doch wütet die Mauer aus Wasser
schon gegen die elende Erde. Der von der medialen Globalisierung informierte
Betrachter lässt mit Schaudern die Moment der Katastrophe nochmals Revue
passieren.
Ist dies vielleicht der Tsunami des Titel? Sicherlich, aber nicht nur. Denn
das eigentliche Erdbeben ist nicht nur die Gewaltsamkeit des Meeres, ausgelöst
durch ein natürliches Phänomen, das aus seinen Begrenzungen ausgebrochen ist.
Die eigentliche vom Betrachter durchlebte und gefürchtete Erhebung ist von
ganz anderer Art: konzeptuell anstatt unmittelbar auf das Phänomen bezogen.
Das wahre Seebeben, das sich vor dem Auge des feinfühligen Betrachters
abspielt ist mehr als die Erinnerung an ein räumlich und zeitlich weit
entferntes Unglück: Es ist die Erschütterung des expressiven Maßstäbe, als
deren Träger dieses Bild unbestreitbar fungiert. Form, Farbe, Komposition,
Alles ist hier subvertiert, alles wird zur Diskussion gestellt. Joseph Hugo
gelingt nicht weniger als eine formale Katastrophe, deren erstes Opfer der
Betrachter des Gemäldes ist. Jenseits der alten Sicherheiten, jenseits der
neuen Konventionen. Die Malerei Hugos fegt jede wie auch immer geartete
ästhetische Sicherheit hinweg, um im Betrachter ein stetiges Gefühl der
Beunruhigung auszulösen, ähnlich nur dem, das ein Zeuge der Katastrophe bei
sich wahrgenommen haben mag, als der Wellenkamm sich seinem Heim näherte.
Weit davon entfernt, Sicherheiten zu transportieren, erschüttert Hugos Bild
jeden Betrachter bis ins Innerste, wie ein Seebeben, dessen Epizentrum im
Herzen Hugos liegt. Die Angst, die von der bildlichen Komposition ausgeht,
kann nur zum kleinsten Teil auf der objektiven Ebene ausgedrückt werden. Das
Blau Hugos ist nicht mehr das "Blau in Blau", das seinerzeit die Feriengäste
erfreut hat. Das Blau Hugos ist ein Bote des Todes, der Zerstörung, der
Vernichtung. Nicht blaue Hoffnung, sondern blaue Angst. Diese vibrierende
bildliche Ausführung des Künstlers, einfach und essentiell wie nur große
Kunst, kann sich selbst verstehen. Ein dunkles Orange versucht vergeblich das
steigende Blau zu kontrastieren, aufgerichtet als Protagonist des Gemäldes
gegen die nutzlosen Ansprüche eines bedeutungslosen Grundes.
Wie seine Malerei bringt auch Hugo keinen Trost. Fern von jedem mimetischen
Anspruch und im Inneren der Wirklichkeit. So will Hugo sein. So nimmt es der
Betrachter wahr. Wer die Kunst Hugos würdigen will, braucht starke Nerven und
ein wahrhaftes Bewusstsein vom irdischen Leid. Nur vermittels der Erfahrung
der Katastrophe kann Hugo sich dem Beobachter enthüllen und ihn, gleich einer
Welle, die über ihn hereinbricht, in seine Kunst eintauchen lassen, die
gleichermaßen zart ist und schrecklich.
It's about to blow up!
